Archivi tag: fotografia

#AImagazine – The Art Review F/W 2017

Lo scorso ottobre è uscito il nuovo numero trimestrale della rivista cartacea #AImagazine – The Art Review, con la copertina dedicata a Paolo Ventura, portfolio e interviste dedicate al lavoro di diversi artisti come, Giuliano Sale, Davide Balula, Marcantonio Lunardi, Carlo Ratti, Stefano Seretta e molti altri ancora.

Per questo numero F/W di quest’anno sono orgogliosa di presentare l’intervista realizzata con il videoartista Marcantonio Lunardi, dal titolo “Il buio oltre la siepe”, con il quale ho potuto affrontare alcune tematiche importanti, come la fotografia in ambito videoartistico e virtuale e il ruolo del paesaggio urbano nella reinterpretazione artistica contemporanea attraverso i nuovi media.

#AImagazine – The Art Review sarà presentato Venerdì 24 al Palazzetto Baviera situato nel meraviglioso centro storico di Senigaglia, alla presenza di Andrea Tinterri // direttore artistico di #AImagazine – The Art Review, Massimiliano Camellini // fotografo, Mario Mariani // musicista. Modera: Luca Zuccala // chief editor di #Artslife.

Un piccolo assaggio su issuu


GRETA’S BOOKS
fine art publishing and services
informazioni: info.gretasbooks@gmail.com
spedizione manoscritti: via Moscova 16 // 20121 // Milano
www.gretaedizioni.com

 

#AImagazine The Art Review issue n° 76 Summer 2017 | Release @ Gogol & Company in Milan

E’ in uscita il prossimo numero della rivista #AI Magazine, in versione cartacea dal 21 giugno in tutta Italia e Canton Ticino, con la copertina dedicata a Giulio Paolini, e portfolio dedicati a Luigi Presicce, il collettivo Discipula, Adriano Annino, Diego Chiarlo, Marco Circhirillo, Jacopo Emiliani, Richard Ingersoll, Studiopepe.

Per questo numero ho avuto il piacere di pubblicare la mia intervista “Superfici riflettenti. La realtà come la si immagina, la sottile bellezza del vuoto e la saggezza della gravità” con Diego Chiarlo, fotografo milanese dalla grande esperienza nel campo della moda che dal 2013 ha intrapreso intrigantemente la strada creativa del mezzo fotografico presentando in questo numero il portfolio delle sue ultime serie prodotte.

Il nuovo numero di #AImagazine – The Art Review the #ultimate issue n.76 Summer 2017 sarà presentato il 29 giugno alla libreria Gogol & Company di Milano alla presenza di Andrea Tinterri (direttore artistico di #AImagazine – The Art Review), Collettivo Discipula e Francesco jodice.

“Un train peut en cacher un autre” di Riky Kiwy | Presentazione del libro e mostra fotografica al Sanantonio42

Sanantonio42 ospita il fotografo Riky Kiwy e la sua mostra fotografica sul movimento Train Writing, e presenta il libro “Un train peut en cacher un autre“, che raccoglie più di 180 foto (a colori e in bianco e nero) e 6 storie in italiano incentrate sul writing.

12783716_1207563642605663_4192613106819791473_o
Il fotografo ci descrive il fenomeno del graffiti-writing catturando gli attimi e i momenti che caratterizzano questa scena. Non si tratta di fotografie che immortalano pezzi compiuti, ma soprattutto i depositi dei treni, i tunnel della metropolitana, gli hangar, le stazioni ferroviarie e i luoghi che descrivono le azioni che caratterizzano questa passione, trasmettendo l’atmosfera più emozionante di questa cultura che trova da sempre le sue radici nel substrato urbano.

12783800_1207563672605660_6880797973068717610_o
La mostra avrà inizio alle ore 15,30 fino alle 21 di sabato 5 Marzo, e dalle 18,30 sarà possibile incontrare l’autore che ci racconterà il suo libro.

L’ingresso GRATUITO

BIO

Riky Kiwy è un fotografo italiano nato agli inizi degli anni 80. Vive e lavora in Francia dal 2011.
Ha vissuto per alcuni anni a Milano dove ha studiato fotografia. Il suo interesse per la fotografia prende forma durante i primi anni del 2000. Nello stesso periodo si interessa al “trainwriting” e comincia a documentarlo. Appassionato per il bianco & nero e la fotografia analogica tradizionale, inizia a scattare immagini dei “trainbomber” che conosce, cercando di creare dei cliché forti caratterizzati dall’utilizzo di neri decisi. Dal quel momento prende vita un reportage che senza rendersi conto porterà avanti per anni. In seguito il suo lavoro si concentra più sul colore, sempre restando fedele alla pellicola.

Anche se il suo maggior interesse è incentrato sul trainwriting, Riky Kiwy documenta con passione i suoi viaggi con immagini di architettura e street photography. Nel 2014 presenta la sua prima mostra personale in Francia a Lione e l’anno successivo la sua prima edizione intitolata “Un train peut en cacher un autre”.

http://rikykiwy.tumblr.com/
http://rikykiwy.bigcartel.com/

from Stokholm with Love | Part 1: Fotografiska

In Agosto ho visitato finalmente una delle più affascinanti e suggestive capitali europee, Stoccolma. Città dei Premi Nobel e dal 2010 Capitale Verde d’Europa, coi suoi parchi bellissimi, un’attenzione e rispetto per l’ambiente ineguagliabili e un’acqua potabile così pura da divenire elisir per i viaggiatori. Definita “la Venezia del Nord”, coi suoi fiordi e canali che mi sono divertita a percorrere in battello per raggiungere le principali isole su cui è costruita la città, detiene anche il titolo di capitale del design capace di influenzare le nuove tendenze artistiche europee – basti pensare che la metropolitana, Tunnelbana, è un vero museo sotterraneo dove artisti e designers sono intervenuti reinterpretando ogni stazione a tema. Una città con un’offerta culturale ampia che dimostra lo studio e l’attenta analisi su quelle che sono le discipline più in fermento e le ricerche più significative del panorama artistico contemporaneo locale e internazionale.

In tutto ciò sono rimasta colpita dal Fotografiska, a cui dedico questa prima parte di reportage. Centro museale per la conoscenza e la diffusione della fotografia contemporanea, con le sue grandi ed eterogenee esposizioni, ricche di opere, organizzate nelle ampie sale sui due piani del complesso di un ex dogana mercantile in mattoni rossi in stile Art Nouveau, che si affaccia sul Saltsjön e da cui è possibile godere del paesaggio della costa opposta punteggiata dalle luci della città e del grande Luna Park Tivoli.

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Una delle mostre che mi ha lasciata per ore senza fiato è quella dedicata all’opera dell’ormai duo fotografico più conosciuto al mondo per aver immortalato celebreties della musica, del cinema e della moda collaborando con le maggiori riviste di settore, Inez van Lamsweerde e Vinoodh Matadin. Talento riconosciuto ed apprezzato proprio per il carattere innovativo, eccentrico, trasgressivo e d’impatto di ogni loro scatto e oggi anche dei loro video, sviluppando un repertorio preciso ed insolito di pose, che grazie alla sperimentazione di nuove tecniche restituiscono un’estetica elegantemente perfetta, a metà tra il bello e l’assurdo, qui presentata alle pareti della mostra Pretty Much Everything 2015 attraverso un’ampia e variegata sequenza di ritratti artistici.

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Inez & Vinoodh Pretty Much Everything 2015

Ogni ritratto è arricchito dall’inserimento di un particolare artistico che abbellisce o interagisce con il soggetto influenzandone l’atmosfera evocativa talvolta di uno stato d’animo. Gli artisti creano un contesto, una messa in scena che coinvolge i soggetti e il loro lavoro, suggerendo allo spettatore indizi per decifrarne il contenuto. Gli scatti in mostra appaiono come pezzi di un puzzle d’immagini e simboli, senza soluzione perché il fine è lasciarsi andare con l’immaginazione in quei microcosmi sperimentando in modo diverso a seconda delle proprie conoscenze e backgrounds. Un’esperienza estetica esaltante di viaggi immaginari attraverso le bizzarre scelte compositive di colori, simboli, disegni e quant’altro. La fotografia diventa un documento che rimane nel tempo e si deposita nella memoria di ognuno di noi, e ogni essere umano che si pone davanti al loro obiettivo non può che diventare eroe all’istante.

Questo slideshow richiede JavaScript.

Nel 2010 poi il duo introduce nel proprio lavoro la telecamera RED, arrivando naturalmente alla decisione di girare film per quasi ogni servizio fotografico da realizzare. Ed è in questo modo che il loro “Bodylanguage” unico e sovversivo ha aperto al cinema e alla moda un nuovo universo di possibilità espressive innovative.

http://fotografiska.eu/

 

 

 

Dolce Acqua | Museo della Grafica di Pisa

Dolce-Acqua-invito1

Pisa, Museo della Grafica – Palazzo Lanfranchi
21 dicembre 2013 – 30 marzo 2014

Nell’anno internazionale della cooperazione per l’acqua, il Museo della Grafica inaugura la mostra Dolce Acqua.
Promossa e realizzata in collaborazione con il Museo di Storia Naturale dell’Università di Pisa e all’interno di un articolato progetto supportato dalla Regione Toscana, Dolce Acqua è immaginata come un contenitore, quasi un acquario che accoglie il visitatore invitandolo a riflettere sull’acqua come valore universale, attraverso molteplici sollecitazioni visive.
In uno scenografico allestimento, le sale del Museo della Grafica accolgono oltre 100 opere tra preziose incisioni giapponesi, inedite creazioni di artisti contemporanei, documenti che percorrono la storia della grafica del ‘900, istallazioni ed elaborazioni fotografiche.

Dolce Acqua – 淡 水. Paesaggi fluviali e personaggi tratti dalla vita quotidiana affollano le opere di Hokusai e Hiroshige, protagonisti della storia dell’Ukiyo-e “immagini del mondo fluttuante”. Dedicata al tema dell’acqua nella cultura giapponese, la preziosa selezione di stampe accompagna lo spettatore lungo le rive malinconiche di Hiroshige o nelle risaie affollate di Hokusai.

Antonio Possenti. Storie d’acqua. Già allestita nel suggestivo scenario della galleria delle balene del Museo di Storia Naturale. La mostra presenta opere del celebre maestro lucchese sul tema dell’acqua. Ironico e grottesco come un divertito cronista sulle rotte della nave dei folli, fiabesco come un nonno affettuoso e presente, attento classificatore della meraviglia come un naturalista cinquecentesco, Antonio Possenti riesce ad affidare all’acqua le sue sorprendenti storie di pescatore miracoloso dalle rive della fantasia.
L’esposizione delle opere di Antonio Possenti sarà accompagnata dalla prima assoluta di Storie di Altromare – omaggio a Antonio Possenti, videoistallazione di Lorenzo Garzella (2013 – 7’30”) prodotta dal Museo della Grafica e dall’Acquario della Memoria (Pisa).

Storie di oltremare_Garzella

Jean Costantin. Rivages. Una serie di delicati e poetici acquerelli di Jean Constantin (1924-2009), letterato e artista francese che ha dedicato al tema della “riva” uno splendido inventario visivo per rivelarne il fascino assoluto come punto d’incontro tra acqua, cielo e terra;

Paesaggi d’acqua. Una selezione di opere grafiche proveniente dalle collezioni del Gabinetto Disegni e Stampe dell’Università di Pisa dedicate al tema dell’acqua, tra bagnanti e lavandaie, ponti e imbarcazioni, ruscelli, laghi e fiumi, con alcuni grandi interpreti dell’incisione moderna come Giovanni Fattori, Carlo Raffaelli, Honoré Daumier, Carlo Coppedè, Giovanni Barbisan, Lino Bianchi Barriviera e Luigi Bartolini;

Dell’acqua e della luce. Fotografie di Carlo Delli. Una spettacolare ed emozionante rassegna di fotografie e video con cui Carlo Delli propone un itinerario sentimentale, intellettuale e sensoriale che tocca e unisce, nel segno dell’acqua, frammenti di paesaggi del Monte Pisano, di San Rossore e dell’Alta Versilia.

Nello stesso periodo sarà possibile ammirare anche la mostra Franco Anichini. Pisa all’acquaforte, dieci stampe all’acquaforte a morsura unica realizzate nel 2012 dall’artista lucchese, raffiguranti alcuni luoghi simbolo della città di Pisa rivisitati in chiave fiabesca e visionaria, con un effetto di grande impatto e di forte suggestione.

Museo della Grafica – Palazzo Lanfranchi
21 dicembre 2013– 30 marzo 2014

Orario di apertura
dal martedì alla domenica: 9:00 – 13:30 ; 15:00 – 17:30
venerdì: 9:00 – 13:30 ; 15:00 – 19:30
sabato e domenica: 10:00 – 13:30 ; 15:00 – 19:30
lunedì chiuso
Giorni di chiusura: 01/01 (Capodanno); 06/01 (Epifania); 01/05 (Festa dei lavoratori); 15/08 (Ferragosto); 25/12 (Natale).
I giorni 24 e 31 dicembre la mostra sarà visitabile dalle ore 9:00 alle 13:30

Costi di ingresso
Biglietto di ingresso: 3 €
Biglietto ridotto:2 € (possessori biglietto ferroviario, membri Conservatorio Puccini, abbonati Rete Toscana Classica, dipendenti del Comune e dell’Università di Pisa)
Ingresso gratuito: Studenti, under 14, over 65, Insegnanti, Accompagnatori, Guide turistiche, possessori di Edumuseicard.

Museo della Grafica – Palazzo Lanfranchi
Lungarno Galilei, 9 – I56127 Pisa (PI)
Tel. (+39) 050 2216 060, fax (+39) 050 2216 065
e-mail: museodellagrafica@adm.unipi.it 
website: http://www.museodellagrafica.unipi.it  

Una settimana dedicata all’arte contemporanea. Torino 2013 | Reportage Part 1

Paratissima 9 – PIX

In questa prima parte del mio reportage sulla contemporary week di Torino 2013 farò una ricognizione di una delle manifestazioni più commentata e seguite negli ultimi anni, l’evento OFF di Artissima arrivato quest’anno alla nona edizione: Paratissima 9. Curato, organizzato e realizzato da qualche anno all’interno degli abbandonati Ex-magazzini generali di Torino (EX-MOI) in Borgo Filadelfia, lo staff dell’edizione 9 ci ha riservato bellissimi progetti speciali, mostre, percorsi, installazioni ed opere accompagnando il pubblico (100.000 persone in 5 giorni) in una full immersion alla scoperta delle nuove e attuali ricerche artistiche nelle diverse discipline contemporanee di riferimento, prima fra tutte la fotografia, portate avanti da artisti internazionali e nazionali, tra autori affermati e talenti emergenti; con una panoramica sul mercato dell’arte attraverso una sezione dedicata completamente alle gallerie che si rivolgono a un collezionismo giovane. Seguendo l’ordine alfabetico dei padiglioni, cercherò di riportarvi ciò che ha catturato la mia attenzione e mi ha piacevolmente colpita e sorpresa.

Partiamo dal padiglione centrale, principale contenitore dei così detti progetti speciali, in cui ha avuto un posto d’onore la mostra SKINCODES, a cura di Francesca Canfora e Daniele Ratti. Un viaggio in quelli che sono le pratiche artistiche che operano una riflessione su “la pelle”. Tela bianca su cui tatuare messaggi, segni, incidere idee, l’epidermide è l’involucro che ci difende, è la prima barriera che separa il nostro corpo dall’esterno, su o attraverso cui molti degli artisti in mostra si sono espressi, sperimentandone le qualità intrinseche di comunicazione, attraverso produzioni differenti ed esteticamente tanto affascinanti quanto macabre. Molti gli artisti di fama internazionale affiancati da alcuni giovani talenti, che sono stati selezionati attraverso un bando indetto da Paratissima, tra cui Gianni Depaoli e la sua Fiat 500 interamente rivestita di pelle di pesce, il fotografo di moda Giovanni Gastel che con le sue gigantografie di volti vuole mettere in evidenza la sofferenza e l’angoscia di queste donne che da modelle diventano vittime di questa società; l’artista macedone di istanza a Milano Robert Gligorov e la sua scioccante scultura a grandezza naturale “Vale guarda il mare”; poi nella sezione dedicata al tatuaggio ho incontrato i disegni e le opere di Nicolai Lilin, autore del Best Seller “Educazione siberiana”, la scultura di una mano tatuata di Fabio Viale e un’immagine della nota fotografa iraniana, Shirin Neshat, parte della serie “Women of Allah”, un lavoro con cui l’artista riflette sulle differenze tra la cultura occidentale e quella islamico-orientale per definirne le istanze. Nell’immagine l’artista ritrae se stessa, in questo caso con la sola mano visibile su cui è riportata la frase di una poetessa iraniana con la raffinata calligrafia propria della sua cultura; fino ad arrivare nello spazio in cui campeggia la scultura “Selfportrait (ME)” di Dario Neira insieme all’opera di Francesca Arri. Nelle sale più interne del complesso vi erano esposte le opere video “Amore mio” di Daniela Perego, e quelle dell’artista francese Orlan, che pone in primo piano le modificazioni facciali a cui si sottopone la donna oggi, succube dei modelli estetici prestabiliti, affiancate dalle opere fotografiche dell’artista torinese Olimpia Olivero, della serie “Codes” in cui la superficie epidermica diventa il circuito integrato di un corpo organico.

 

Passiamo poi al secondo spazio espositivo dedicato alla personale Grigio Assoluto di Daniele Accossato, giovane scultore torinese vincitore del “Toro d’Acciaio” 2012 come miglior artista di Paratissima. Opere e installazioni in cui protagonista è il gioco di sensi scaturito dall’estrapolazione dei soggetti rappresentati dal contesto originario di riferimento così da produrne una visione ironica intrisa d’ansia. Ma saranno le immagini a parlare al posto mio.

 

Successivamente ho incontrato le opere degli artisti del MACA per “Young at Art”, progetto itinerante a cura di Massimo Garofalo e Andrea Rodi che, in collaborazione con le associazioni Oesum Led Icima e l’omonima Young at Art, ha la volontà di promuovere su territorio italiano giovani artisti calabresi under 35. Bene di questo folto gruppo sono 5 gli artisti che per motivi differenti hanno catturato la mia attenzione: le opere pittoriche di Anna Capolupo, con “Berlin Spring” e “Ordine” dove la resa cromatica e compositiva degli scorci urbani delle grandi città europee e italiane, che lei stessa vive in prima persona, acquista il sapore del semplice esperire la realtà che la circonda, riuscendo a restituire anche l’aria che vi si respira; Maurizio Cariati e i suoi ritratti su tela hanno qualcosa in più, i volti in primo piano sembrano balzare fuori dal campo bidimensionale del piano pittorico grazie alla tecnica dell’estroflessione che permette una visione originale del ritratto; i collage digitali di Mirella Nania, in cui commistiona elementi architettonici, illustrativi, anche fotografici, appartenenti a epoche passate e diverse riattualizzate in composizioni fresche dall’atmosfera sospesa; per quanto riguarda il video invece incontro Giusy Pirrotta, nella sezione ParaVideo, con “Chroma” che mette in luce i meccanismi che si celano dietro la messa in scena cinematografica, l’ambiguità tra la realtà così percepita dallo spettatore dopo le modifiche con gli strumenti di produzione; insieme a quest’ultima espone un video anche Salvatore Insana, un altro giovane artista del MACA, che invece Young at Art espone parte della serie fotografica “Space Time Lapse”, in cui l’inquietudine va in scena attraverso scatti ambientati in paesaggi cupi dall’atmosfera irreale.

CHROMA Giusy Pirrotta

La Kustom Gallery invece era completamente dedicata alla Lowbrow Art and Kustom Kulture a cura di Giampo Coppa. Un’arte accessibile e comprensibile da tutti le cui radici risiedono nell’onda ribelle dei giovani, nata sul finire della seconda Guerra Mondiale in U.S.A., che adorava sfrecciare per le strade con motociclette e auto customizzate, trasformate in opere d’arte eccentriche e personali espressioni per distinguersi dalla massa perbenista. Dalla fine dei ’60 la Lowbrow Art coinvolge anche i fumetti fino ad arrivare ad influenzare la moda il design e le grafiche dei vinili. Ho potuto scoprire i lavori di alcuni bravissimi artisti, rappresentanti di questo movimento, tra cui lo stesso Giampo, Steuso, Wolfenstein, Malleus, Chopworks, artefici di poster, tele, art work di copertine per 33 giri, motociclette e auto customizzate fino ad arrivare ad oggetti di design davvero ROCK.

 

Un posto riservato lo ha avuto l’Associazione culturale Il Cerchio e Le Gocce di Torino, che dal 2012 collabora con Paratissima, prima seguendo la direzione artistica del murales sulla facciata del Social Club di via Giordano Bruno, affidando l’opera al giovane talento di Vesod, artista torinese che ha lasciato di sé una spettacolare impronta dei suoi virtuosismi in una composizione a dir poco sconcertante per chi percorre la via. Poi con la direzione del progetto di riqualificazione urbana di Borgo Filadelfia, Your Shutter, per il quale sono state dipinte le serrande abbassate di proprietà INPS in Piazza Galimberti e i muri della Palestra dell’Istituto Pertini, e che è continuato proprio durante Paratissima con altri due interventi di questo tipo sulle serrande di altri esercizi commerciali da parte degli artisti Giorgio Bartocci, MrFijodor e Etnik, realizzando opere di alto pregio estetico.

Giorgio Bartocci + MrFijodor

Ma gli interventi degli artisti de Il Cerchio e Le Gocce non si fermano qua e hanno proseguito ben oltre con un’opera pittorica site-secific realizzata in collaborazione da Corn79, Zorkmade e Mr Fijodor all’interno di una delle aree più vandalizzate dell’EX-MOI, grazie al supporto tecnico di Sikkens, marchio della olandese AkzoNobel, leader nel mercato delle vernici per l’edilizia e il restauro del colore. Contemporaneamente anche Giorgio Bartocci e Etnik hanno realizzato un murales all’esterno del padiglione centrale.

 

Proprio per le tante attività e progetti realizzati, l’Associazione in occasione di Paratissima ha curato anche una mostra documentaria sui suoi oltre dieci anni di lavoro in collaborazione con enti pubblici e privati realizzati per la Città di Torino, con video e foto affiancati dalle opere realizzate dagli artisti che nel corso della sua storia l’hanno sostenuta e accompagnata: Corn79EtnikFrancesco BarbieriGiorgio BartocciMrfijodorMauro149 &Rems182 (Truly-Design), VesodZorkmade.

 

Da tenere presente il lavoro di un’altra associazione con cui Il Cerchio e Le Gocce ha collaborato in questa particolare occasione mi riferisco alla tedesca Artsquare, che in collaborazione con l’Associazione “è” di Torino, Together Polska (Po) e Asociatia Club Sportiv (Ro) hanno realizzato il progetto artistico di scambio internazionale “Citizens of Cityscape”, e hanno sviluppato molti altri progetti all’interno di e con Paratissima, come l’organizzazione di incontri in lingua inglese sul tema della professione dell’artista fuori dall’Italia, e “ParaLight!” per cui è stato possibile far arrivare venti artisti internazionali invitati ad intervenire e lavorare in workshop urbani all’interno del quartiere Aurora, portando in mostra i propri lavori all’interno della Artsquare Exhibition; opere realizzate con tecniche sperimentali nelle discipline di riferimento o mixando media differenti come per esempio i lavori di Mirko D’Amato, le immagini di “Simmetrical noise” dell’artista Rajan Craveri, il collage “Youniverse” di Katarzyna Perlak, o le ceramiche di Ola Szumska e le video installazioni di Julie Land, Manuele Di Siro, e quelle di Chekos’Art feat. Carlitops, con “Sofia Loren” e Frank Lucignolo and Macedonia Exchange group, con “The green market”, che trattano la materia del graffitismo in modo originale.

E’ curioso e secondo me molto bello il progetto Botteghe d’artista, l’esposizione che ha portato all’attenzione i risultati della collaborazione di sette artisti “senior” con sette artisti “junior”. Il titolo della mostra prende spunto dal concept che sta alla base del progetto: l’antica tradizione dell’artista apprendista che va a bottega di un’artista d’esperienza. Bene anche in questo caso i sette giovani artisti hanno frequentato gli studi degli artisti “senior”, lavorando e confrontandosi con loro. Un’esperienza formativa e stimolante per i giovani e ricca di nuovi spunti creativi da cui sono scaturite sette opere, risultato di un dialogo nuovo, come “Philokalia” nata dal dialogo tra Daniele Galliano e Chiara Ventrella,  o la scultura “Reliquiae”, nata dal dialogo tra il collettivo multidisciplinare torinese di artisti e designers, Nucleo, diretto da Piergiorgio Robino, e il giovane torinese Gesebel Barone.

“Philokalia”  Daniele Galliano e Chiara Ventrella

“Philokalia” Daniele Galliano e Chiara Ventrella

“Reliquiae” Nucleo e Gesebel Barone

“Reliquiae” Nucleo e Gesebel Barone

Non mi rimane che parlare del progetto speciale Paraphotò, di cui vi vorrei presentare qui una piccola selezione degli artisti che mi hanno piacevolmente colpita. Per la sezione Mostre d’Autore, Luca Caridà con “Suture”, che riflette sul ruolo dell’immagine pubblica intorno al concetto di bellezza sviluppato nella società contemporanea in cui l’accesso e l’eccesso della chirurgia estetica è facilitato; e le fotografie della serie “Blind Russian Blues” di Roberto Luzzitelli, mentre per la sezione Talenti Emergenti, a cura di Davide Giglio e Daniele Ratti, ho trovato interessanti le serie fotografiche di Enrico Doria con “Emotional water”, di Eleonora Manca con “In my secret mirror”, in cui indaga i limiti strutturali del proprio corpo in continua mutazione, Onyricon con “Industrial series #” ed infine la serie di  Vittoria Lorenzetti, foto di ambienti dove la desolazione è sospesa in uno scatto intriso del sapore del tempo vissuto.

 

Rimanendo in tema fotografia, un altro giovane fotografo merita attenzione, sto parlando di Livio Ninni, selezionato al concorso indetto da Nikon Italia per il genere ritratto ed esposto ad Artissima e  risultato non solo vincitore nella sua categoria, ma anche del premio Nikon Talent 2013, che presso uno degli stand ha esposto il suo progetto fotografico work in progress “Fuori di Testa – Oltre al muro”, ricercando i migliori street artist e proponendo loro una seduta di ritratto del tutto originale. L’artista infatti non li ritrae per strada e neanche è invitato nello studio del fotografo, ma al contrario è il giovane fotografo che va a far visita agli artisti prescelti, sparsi per tutta Italia, ritraendoli nei luoghi dove ogni giorno operano ed in cui è esposta anche qualche loro opera.

 

Gironzolando tra i vari stand e spazi ho incontrato anche molti altri artisti affascinanti, come quelli portati dall’Associazione Culturale HeyArt con il progetto espositivo “DENTITY. THE OTHER. THE SELF” in cui cinque ricerche artistiche diverse s’incontrano nel comune dialogo col proprio Io e conseguentemente riflettono sul rapporto che intercorre tra l’opera d’arte e il corpo, elemento su cui si traspongono fisicamente i segni del nostro vissuto. Come il lavoro di Federica Gonnelli sulla sovrapposizione dei volti, intesi come specchi nei quali riconoscersi e immedesimarsi, e le opere eseguite con la tecnica del ricamo su tela con cui Ilaria Margutti ci ricorda che il corpo registra ogni traccia delle esperienze vissute essendo la parte più visibile ed esterna di noi stessi; o le opere di Giancarlo Marcali, dove è preminente la riaffermazione dell’Io attraverso la rinascita dal dolore, e quelle di Virginia Panichi, rappresentazione del corpo che muta, che migra verso identità multiple per superare le rigidità di una identità prestabilita e catalogata.

 

Poi proseguendo per gli stand espositivi dei restanti padiglioni mi sono imbattuta in altri affascinanti progetti. Come quello di “Lesbica non è un insulto”, una serie di scatti, realizzati da Maldestra, di corpi di donne nude con scritte nere “per indagare l’omosessualità femminile, per aprire un dialogo verso chi non la conosce a fondo o la ignora totalmente. Lo scopo del progetto è unire una fotografia essenziale e pulita ad un messaggio diretto ed efficace, che riveli la figura della donna lesbica nell’Italia del 2013 e la liberi da luoghi comuni.

Foto Maldestra

E quello “Memorie di Neve” del torinese Bruno Panebarco. Dall’omonima canzone dei “Prostitutes”, di cui l’autore ne faceva parte negli anni ottanta, si celebra il ricordo dei momenti passati coi componenti della band, abitues del consumo della così detta “polvere bianca”, in un’installazione di circa settecento fotografie in bianco e nero degli anni ’70 e ’80 sparse per tutto lo spazio calpestabile e in sospensione; per non parlare della scultura di terracotta di Joël Angelini, degli intensi disegni di Alessandro Caligaris, e delle opere di Severino Magri.

Tutte le mie passeggiate poi sono state allietate dalle diverse installazioni scultoree di ZOOM Torino, primo bioparco immersivo d’Italia, sparse per tutta l’area degli ex-magazzini generali, come “Piovrilla” di Simone Benedetto, e quella di “Felix” Baumgarthen, caduto dal cielo per schiantarsi al suolo di Paratissima.

“Piovrilla” di Simone Benedetto

“Piovrilla” di Simone Benedetto

“Felix” Baumgarthen

“Felix” Baumgarthen

Concludo con una scorsa al padiglione T, riservato quest’anno al progetto G@P, Gallerys At Paratissima, in cui hanno esposto molte gallerie con proposte davvero attuali di giovani artisti emergenti. L’obiettivo di G@P era proprio quello di ridurre la distanza tra il collezionismo d’élite, con le sue fiere istituzionali, e il nascente collezionismo giovane, con una proposta aperta di uno spazio accogliente e informale in cui è possibile comprare a prezzi sostenibili. Eroici Furori (MI), GAS Gagliardi Art System (TO), Galleria Paludetto (Roma/TO), Paolo Arkivio Gallery (TO), PaoloTonin Arte Contemporanea (TO), Riccardo Costantini Contemporary (TO), Semid’Arte (TO), Studio Ambre Italia (NO), Square23 (TO), UFOfabrik (TN).

 

E se a Paratissima ho trovato questi affascinanti progetti artistici, al di fuori si sono create altrettante situazioni interessanti durante il fine settimana. Dovrete solo aspettare la seconda parte di questo articolo per conoscerle.

To be continued