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THE WAY YOU’RE TOLD TO LIVE | Francesco Barbieri Solo Show @ Peekaboo Tattoo Gallery

THE WAY YOU’RE TOLD TO LIVE, mostra personale di Francesco Barbieri, dal 20 febbraio al 20 marzo al Peekaboo Tattoo Gallery, via Carducci 31, Pistoia. Inaugurazione 20 febbraio, dalle 18.30: per l’occasione sarà presentata la nuova serigrafia di Francesco Barbieri stampata presso lo studio Corpoc, in tiratura limitata, numerata, firmata e finita a mano.
Francesco Barbieri è un navigato writer e un giovane pittore.

I graffiti e la pittura, discipline così distanti e così vicine, sono entrambi atti antichi, sacri, e trovano un punto d’incontro nella loro pratica costante ed ossessiva, sempre alla “ricerca di…”. Per un writer, come per un pittore, non è tanto importante il graffito o il quadro prodotto nel passato o nel presente, quanto sempre quello che sarà pensato ed eseguito nel futuro, quello ancora da cercare: si può quindi parlare di arti del “non ancora”. Di fronte ad un’opera è difatti sempre necessario avventurarsi ad immaginare quella che verrà, come in un viaggio in treno, dove la stazione precedente annuncia di fatto quella successiva.

Più che di “pittura di paesaggio”, nel caso di Barbieri bisognerebbe quindi parlare di “pittura di passaggio”o “di attraversamento”: l’osservatore è coinvolto in una serie di istantanee scattate in prima persona, dove non ci sono esseri umani ma “solo”cieli, case, binari, treni, pali dell’elettricità, fili e reperti postindustriali, tipici soggetti di una qualsiasi realtà ferroviaria di provincia italiana. Anche i formati scelti, spesso rettangolari, richiamano le forme di un finestrino di un treno, punto di vista di un qualunque viaggiatore.

Quello dell’artista è, infatti, uno sguardo che si sviluppa in “un punto imprecisato della linea Pisa/Livorno”(dal titolo di un’opera) e che si posa sulle cose marginali, periferiche, che analizza lo spazio ed il tempo di un pendolare qualsiasi. Sembra suggerirci che l’importante non è tanto la meta quanto, appunto, il viaggio.

Il viaggio di Barbieri è iniziato molti anni fa dipingendo le lettere del suo alias sui lungolinea ferroviari e sui muri delle città incontrate, vissute ed attraversate: le sue lettere nel tempo si sono allungate, deformate, ingrossate ed intrecciate. Hanno preceduto e accompagnato l’autore nello scorrere del tempo della sua vita; si sono arricchite di grazie e, grazie alle storie vissute, le atmosfere respirate ed i luoghi visitati si sono evolute fino ad esplodere e a ricomporsi sotto mentite spoglie sulle tele pittoriche.

Nei suoi quadri si possono infatti intravedere, tra le righe, le atmosfere viste e respirate nei tanti anni di graffiti writing. E’ sullo spazio della tela che Francesco mostra e nasconde al tempo stesso la sua storia, la sua attitudine ad una pittura d’azione ancora fortemente legata al mondo delle lettere e alla sua tradizione: seppure il Nome non compaia più e manchi l’azione creativa illegale, l’artista prosegue la sua ricerca andando a guardare quello che è stato per cercare quello che sarà. E’ il prolungarsi, in nuove forme, di un fenomeno preesistente: in questo senso si può parlare di post-graffiti.

Agli strumenti classici dello scrittore, come spray, vernici e rulli si sono aggiunti le spatole ed i pennelli del pittore da laboratorio; i supporti sono passati da metallo,lamiere e cemento a quelli più vicini alla tradizione pittorica come tele, tavole e carte; anche le dimensioni non aspirano più al gigantismo della pittura d’azione del graffiti writing ma si fanno molto più piccole, riflessive, intime.
A livello compositivo la terra è spesso posta in contrapposizione al cielo (le linee ferroviarie e le città partono spesso dal basso e puntano alla mediana, sono soggetti che salgono e crescono), in una tensione mai risolta: è l’uomo che guarda e anela al cielo ma è costretto a vivere con i piedi piantati sul mondo. Il nero delle cose terrene (fabbriche, ferrovie, palazzi, antenne, pali della luce),ordinato seppur da regole proprie, è spesso contrapposto al caos e ai colori del cielo che qui diventano acidi, irreali, sognanti: è infatti questo lo spazio del sogno, della fantasia e del possibile, dove la pittura accade.

I treni e le linee ferroviarie di Barbieri non partono ne arrivano mai, seguono prospettive e traiettorie proprie, spesso errate: dove vanno, quando arrivano? Dove sta andando / ci sta portando Francesco?

Probabilmente ancora in tutte le direzioni e da nessuna parte.
Ma questo è il punto dove finisce l’Arte e riinizia la vita.

Rosa Selavi

Parentesi Aperte: CT “Grand Tour” @ Studio D’Ars Milano

Parentesi Aperte: CT Grand Tour

a cura di Alessandra Ioalé

 

Dal 18 Novembre al 9 Dicembre 2014

Studio D’Ars Milano

 

La Galleria Studio D’Ars di Milano è lieta di presentare Parentesi Aperte: CT Grand Tour, la prima personale italiana dedicata all’opera del giovane artista torinese CT, con cui si inaugura anche “Parentesi Aperte. Personali espressioni contemporanee” il progetto a cura di Alessandra Ioalé per la nuova stagione 2014/2015 della Galleria.

Conosciuto a livello internazionale nel mondo del writing e della street art, la ricerca di CT si sviluppa nell’ambiente urbano e, in particolar modo, nelle aree ex-industriali della sua città. Le sue opere si sviluppano attraverso la scomposizione vettoriale delle lettere del suo nome ottenendone delle figure geometriche che si fondono in un tutt’uno con lo spazio circostante. Per questa occasione oltre a una serie di tele, realizzata ad hoc e giocata principalmente su variabili cromatiche di fondo, costruite sulla ripetizione seriale di uno stesso modulo compositivo definito, saranno esposte un’altra serie di oggetti, manufatti e foto per restituire al pubblico una sorta di compenetrazione concettuale tra esterno urbano e interno espositivo alla base dello studio dell’artista.

Prossimo appuntamento del ciclo sarà 108 con “Passaggi Concreti Venerdì 12 dicembre ore 18. 

Progetto Parentesi Aperte. Cinque personali espressioni contemporanee

 

Parentesi Aperte” è il ciclo di cinque mostre personali a cura di Alessandra Ioalé, che ha lo scopo di presentare al pubblico cinque personalità artistiche, operanti prevalentemente sul territorio italiano ed europeo, all’interno di Studio D’Ars di Milano, per la stagione 2014/2015, uno spazio nel cuore della metropoli che si propone di essere e che sta diventando punto di riferimento per la conoscenza e divulgazione delle tendenze che oggi caratterizzano l’arte contemporanea. Cinque personali espressioni molto differenti tra loro, sia per formazione che per soluzioni estetico-formali, ma con il comun denominatore nella cultura underground degli anni ‘90 e nella capacità di captare, di sentire e rispondere “insieme” alle stesse esigenze espressive e comunicative in assoluta sintonia con il resto d’Europa e del mondo, superando i confini naturali delle proprie discipline di riferimento, e per alcune anche quelli geografici. Artisti che partendo dai muri hanno la capacità di spandere la propria arte in oggetti, installazioni, tele e quant’altro, come particelle di loro stessi articolate in un più ampio discorso parallelo, o viceversa artisti che vogliono andare oltre il foglio di carta, oltre la tela, per raggiungere le grandi superfici murali, tutto per giungere al cuore di un pubblico sempre meno elitario. Un’energia creativa italiana inconfondibile e originale che ha scelto comunque di esplorare e sviluppare la propria ricerca in ciò che oggi è definita Arte Urbana, riuscendo a potenziarsi in reciproco scambio con le forze creative degli altri paesi.

 

La scelta dei cinque artisti nasce per empatia con la loro opera e per l’intesa che si è creata tra me, come storica dell’arte e come persona, e loro come persone portatrici di grande sensibilità estetica attraverso la quale plasmano il messaggio da trasmettere. Per ognuno compiremo un approfondimento critico sulla ricerca attuale dell’artista, aprendo cinque parentesi sul loro operato che ne metta in evidenza le peculiarità e le capacità di sviluppo oltre la propria disciplina di riferimento, in stretto rapporto con la propria esperienza di vita, sia professionale che quotidiana, al di fuori dei circuiti culturali istituzionali. Pur partendo dalla rielaborazione di tematiche diverse ed opposte vedremo una netta relazione tra il vissuto e il dipinto, tra il reale e il riprodotto. Cinque “parentesi aperte” che possano lasciare intuire ciò che può divenire in futuro, grazie all’analisi dello stile e della poetica che nel tempo sono diventati riconoscibili e caratteristici. Cinque “parentesi aperte” sulle personalità di CT, 108, Aris, Giulio Vesprini, Gio Pistone.

 

18 Nov. – 9 Dic. 2014

Parentesi Aperte: CT | “Grand Tour”

 

12 Dic. 2014 – 13 Gen. 2015

Parentesi Aperte: 108 | “Passaggi concreti”

 

20 Gen. – 20 Feb. 2015

Parentesi Aperte: Aris

 

3 – 24 Marzo 2015

Parentesi Aperte: Giulio Vesprini

 

1 – 28 Aprile 2015

Parentesi Aperte: Giò Pistone

 

Studio D’Ars Milano

Via Sant’Agnese 12/8

Dal Lunedì al Sabato, dalle 16 alle 19

tel. +39 346 6292285

Mail: danieledecia75@gmail.com

Hybrids – Ibridazioni di stili nella personale di Corn79 – Intervista di Alessandra Ioalé per Street Art Attack

Corn79+Etnik the wall out of the 1AM Gallery

Corn79+Etnik the wall out of the 1AM Gallery

Oggi dedico la mia attenzione alla scena italiana con l’intervista a un altro dei più attivi, produttivi e originali interpreti del post-graffitismo, Corn79. Writer e artista che vive e lavora a Torino ma si fa conoscere nel panorama internazionale, distinguendosi per uno stile geometrico astratto, ricercato e peculiare nelle costruzioni compositive, con cui dà corpo a visioni personali. La sua prima personale allo Studio D’Ars di Milano, che inaugura il prossimo 10 Giugno, sarà l’occasione per presentare al pubblico il bellissimo progetto Hybrids, al quale sta lavorando da molto tempo e col quale porta su tela lo stesso concetto di collaborazione che normalmente i writers portano su muro, con la differenza che “le opere sono vere e proprie ibridazioni tra gli stili dei due artisti coinvolti”. Un confronto acceso e positivo con se stesso e, allo stesso tempo, tra artisti legati da reciproca stima, che fa emergere e mostra le qualità tecnico-espressive e le potenzialità estetico-formali del linguaggio artistico di Corn79.

Corn79

Corn79

Alessandra: Oggi Corn79 è conosciuto come uno dei più singolari e attivi interpreti del post-graffitismo italiano. Come ti sei approcciato al writing e come ti sei mosso nella scena italiana?

Corn79: L’approccio al writing è nato in maniera casuale, vedendo alcune tag in giro per le strade di Imperia nell’estate del 1996. Fino a quel momento non mi ero mai fermato a pensare a cosa si potesse celare dietro i graffiti e non li avevo mai veramente presi in considerazione. Da quel punto in avanti una lunga serie di eventi più o meno casuali e fortuiti hanno portato a modificare la mia vita in maniera radicale, nel bene o nel male dal 1996 i graffiti sono entrati nel mio quotidiano e mai ne usciranno. Fondamentale nel mio percorso è stato conoscere Fijodor, Sushi (Non smetterò mai di pensarti amico mio), Odio e gli altri ragazzi con cui fondammo l’ADC, la nostra crew storica che mi ha formato sia in campo artistico che personale. Altro tassello importante, a cavallo tra la fine dei Novanta e l’inizio degli anni Duemila, è stata l’Others crew e l’inizio di un’intensa attività legata alla mia città: Torino. Ho sempre frequentato molti personaggi della scena italiana ed internazionale, anche se penso di aver viaggiato poco rispetto a molti altri. C’è sempre stato un legame forte con la scena toscana, probabilmente per affinità caratteriali coi ragazzi di zona.

Corn79+MRFijodor+DMS+Zed1 Catania 2014

Corn79+MRFijodor+DMS+Zed1 Catania 2014

Leggete l’intera intervista QUI su Street Art Attack

“Show can’t go on” | Personale di Marcantonio Lunardi @ Lu.C.C.A.

Altro importante traguardo per il noto videoartista Marcantonio Lunardi che vede tre delle sue opere video di maggior successo, “370 New World”, “The choir” e “Default” riunite per la personale dal titolo “Show can’t go on”, a cura di Maurizio Vanni. Tre video che ragionano su tre tematiche diverse ma complementari e riportano ad un’amara riflessione sul mondo di oggi, proiettati nella Sala Videoarte del Lu.C.C.A. dal 5 luglio al 5 ottobre 2014 (ingresso libero). 

Frustrazione, isolamento, perdita di identità, disincanto, sconvolgimento dei valori primordiali, eccessivo e passivo utilizzo della tecnologia, omologazione verso le scelte di massa, consapevolezza dell’essere attraverso l’apparire: sono queste le sensazioni percepite da chi osserva in modo critico la quotidianità del terzo millennio. “Una prigionia non necessariamente fisica – scrive Vanni – che ci fa sentire lontani da ogni forma di cultura e, al tempo stesso, trasforma lo specchio in qualcosa che riflette impietosamente l’immagine della confusione che ci pervade. Non riusciamo a vedere oltre e la comunicazione 2.0 diventa un metadone che accentua la solitudine dell’anima. Per sentirci meno soli ci buttiamo sulla televisione, unica vera fonte di ciò che chiamiamo realtà. Lo show business è degenerato e pretende di fidelizzarci con un finto sapere facile e popolare: tutto sembra alla nostra portata e ci fa sentire importanti, ma in realtà ci sta trascinando in una dimensione di sola superficie. Perfino le arti, per poter essere considerate tali, devono fingere di provenire da un monitor”. 
Che cosa deve fare l’uomo per riprendersi la propria vita? Deve ricominciare a sognare, a coltivare coscienti illusioni e a credere nel futuro? Marcantonio Lunari ci sta raccontando la favola vera della vita del qui e ora. Andiamo a cercare nelle sue immagini perché “Show can’t go on”. 

Sulla figura di Marcantonio Lunardi rimando QUI all’ultima intervista che Silvia Giordano ha fatto all’artista per Artribune, e QUI all’intervista di Simone Rebora su Espoarte.

SINOSSI VIDEO: 

370 NEW WORLD (05′:08”) 
370 New World è un’opera sulla solitudine generata dalla crisi sociale ed economica che ha attraversato l’Europa negli ultimi dieci anni. L’isolamento umano che viene mostrato allo spettatore è ormai parte integrante del vivere quotidiano di molte persone. L’autore propone la sua creazione come uno specchio in cui l’osservatore può riconoscere alcuni aspetti della propria vita. 

THE CHOIR (04’:13”) 
Il coro vuole tradurre in immagini la distruzione della civiltà della cultura a beneficio della civiltà dello spettacolo o meglio del consumo. Ciò che non è televisivo non esiste poiché, oggi, il monitor è l’unica interfaccia attraverso cui si dà diffusione a quello che rimane della cultura. Il mondo del tubo catodico prende il sopravvento sui libri, sul teatro, sui luoghi di cultura, su tutti quei mezzi che veicolano conoscenza. La televisione è diventata una madre matrigna cannibalizzando tutto e privando dell’esistenza quello che non passa attraverso i suoi canali. 

DEFAULT (02’53”) 
Default è un’opera sulla disillusione di un sistema arrivato a un punto di svolta. Un uomo, da solo, siede in mezzo alle macerie di una fabbrica abbandonata davanti a un telefono. La sua mano stringe la cornetta e la porta all’orecchio. A rispondergli è una serie di segreterie telefoniche, i cui toni metallici, come un filtro tra lo Stato e i cittadini, lo convogliano in una sospensione vitale fatta soltanto di attesa. La telefonata diviene un evento metafisico, come una preghiera a un’entità senza volto e senza nome della cui risposta non si può più essere certi. 

Brevi note biografiche di Marcantonio Lunardi 
Dal 2001 si è occupato di documentazione sociale e politica lavorando nel settore Media Art creando installazioni, documentari e opere di videoarte. Dopo i master al Festival dei Popoli di Firenze con Michael Glawogger, Sergei Dvortsevoy, Thomas Heis e Andrés Di Tella ha iniziato un percorso nel cinema delle immagini in movimento sperimentando linguaggi al confine tra il cinema del reale e la videoarte. Le sue opere sono state esposte in prestigiose istituzioni internazionali come The National Art Center di Tokyo, la Galeri Nasional Indonesia di Jakarta, la Fondazione Centro Studi Ragghianti di Lucca, il Video Tage Center di Hong Kong e in molti festival di cinema sperimentale e videoarte come Cologne Off, Festival Internacional de Cine y Video Experimental di Bilbao, OCAT Shanghai, Cairo Video Festival (Egitto), Festival Invideo di Milano, Video Art & Experimental Film Festival di New York City. 

Ufficio stampa 
Addetta Stampa Lu.C.C.A. 
Michela Cicchinè +39 339.2006519 | m.cicchine@luccamuseum.com 

Inaugurazione 5 luglio 

Lu.C.C.A – Lucca Center of Contemporary Art 
via della Fratta 36, Lucca – Toscana. 
Orario: da martedì a domenica 10-19. 
Ingresso libero.

CORN79 | HYBRIDS

Opening 10 June 18:00 – 10 June to 24 June 
Studio D’Ars, via Sant’Agnese 12, 20123 Milano
 
Curatela di  Daniele Decia 

Testo critico di Pietro Rivasi (Icone Modena, D406 Gallery)

Il percorso che ha portato Riccardo Lanfranco a realizzare il ciclo di opere che compongono “Hybrids” è lungo ed articolato. 

Il viaggio inizia negli anni Novanta, periodo nel quale entra nel mondo del writing sia come artista che come organizzatore di eventi importanti (Street Attitudes/Picturin). Più tardi, intorno alla metà degli anni Duemila, abbraccia il “post graffitismo” o “street art”, dove la firma (tag), ovvero la peculiarità del writing, viene sostituita da una rappresentazione pittorica, figurativa o astratta.

Appassionato di grafica, affascinato dalla Op art e dalla cultura psichedelica, Riccardo inizia così una seconda vita, scegliendo come figura personale un intricato sistema di geometrie assimilabile al “mandala” buddista o al “yantra” Hindu: un diagramma circolare costituito dall’associazione di punti, triangoli, cerchi e quadrati, un articolato simbolismo che consente a chi lo osserva un imprevisto percorso spirituale.

Nella rappresentazione, questo simbolo dalla storia antichissima e dalle mille interpretazioni moderne entra in risonanza con l’esperienza del writing, così che a ogni dipinto vengono conferiti allo stesso tempo motivi di perfezione geometrica – mutuati dalla tradizione religiosa e dalla simbologia profana – ed elementi caotici, come le imperfezioni delle pareti urbane o l’uso delle vernici acquerellate, spesso utilizzate per i fondali.

Il passaggio dalla firma al “mandala” è importante e complesso: dalla frenetica e istintiva attività borderline del writer, si passa al lavoro progettuale e lento delle rappresentazioni geometriche: cambiano gli strumenti, i tempi, le modalità di esecuzione, le dimensioni e soprattutto i soggetti.

La firma in caratteri romani, espressione massima dell’individualità occidentale, viene sostituita da una simbologia geometrica di ispirazione orientale, che incarna valori come spiritualità, calma, meditazione ed empatia, antitetici alla poetica del writing. Nella sua radicalità, questo cambio di rotta esprime la volontà di rompere con il background di origine per approdare a un linguaggio diverso, che veicola messaggi e valori molto lontani anche dalla street art, in larga misura, spesso ruffianamente pop o banalmente politicizzata. Permane il supporto, rimangono le infrastrutture urbane e quindi la deperibilità dell’opera murale, destinata a rovinarsi e scomparire a causa intemperie, proprio come nella tradizione buddista, dove il “mandala” viene periodicamente “distrutto” per ricordare la caducità delle cose e la loro rinascita.

“Hybrids” è il punto di arrivo di questo percorso: una personale atipica, in cui tutte le opere sono state realizzate a quattro mani, in collaborazione con altri artisti.

La ragione di questa scelta va ricercata nel desiderio di raccontare entrambe le vite dell’artista: da una parte il passato, fondamentale sorgente della sua ricerca, rievocata mediante un “team work” su tele e carte che evoca il lavoro di squadra tipico del writing, dove la crew riveste un ruolo fondamentale nel “gettino up” del nome e spesso anche nella realizzazione di opere di grandi dimensioni o in situazioni di particolare pericolo; dall’atra il presente, in cui le figure astratte, entrando nel perimetro circoscritto dello “Studio D’Ars”, assumono la forma di algoritmi, di particelle subatomiche in movimento, molecole e galassie, l’infinitamente grande e l’infinitamente piccolo che determinano i limiti della percezione umana e rimandano insieme alla spiritualità delle opere su muro, dalle quali si distaccano nella tecnica, nelle dimensioni e spesso nelle forme.

“Hybrids” è un’occasione unica per apprezzare la ricerca ventennale di Riccardo Lanfranco, per studiare l’evolversi di collaborazioni ormai consolidate (Mr. Fijodor, Etnik, Vesod, Reser…) e per scoprire intrecci del tutto inediti (108, Bartocci, Aris…) che andranno ad arricchire un nuovo cammino, un altro ancora, che inizia da qui.

Pietro Rivasi (Icone Modena, D406 gallery)

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English Version

The path which has led Riccardo Lanfranco towards the completion of the “Hybrids” series is a long and articulate one.

The voyage begins in the Nineties, period in which Riccardo enters the graffiti writing scene both as artist and as organizer of important events (Street Attitudes/Picturin). Further down the road, around 2005, he clasps “post-graffiti” or “street art”, where one’s signature (or “tag”), the defining element of graffiti writing, gives way to pictorial, figurative or abstract representations.

Thanks to an interest in graphic design, a fascination inspired by Op-Art and the psychedelic culture, Riccardo starts a new life, electing as his personal subject the buddhist “Mandala” or Hindu “Yantra”: a circular diagram constructed from associations of points, triangles, circles and squares, an articulate symbolism which offers the viewer access to an unexpected spiritual pathway.

In the artist’s work, this symbol with an ancient history and a long list of modern interpretations creates a sort of resonance with the graffiti writing experience. At once, each mural contains elements of geometric perfection – borrowed from religious tradition and profane symbology – and elements of chaos, such as the imperfections of urban walls or the use of diluted paint, often used for creating backgrounds.

The signature in roman characters, perhaps the biggest expression of western individuality, is replaced by geometric symbology tainted by oriental inspiration, which embodies values such as spirituality, calm, meditation and empathy, in contrast with the traditional language of graffiti writing. In its radicality, this change of direction expresses the will to break free from the artist’s original background by switching to a different tone, one able to convey messages and values quite distant from those of street art, which more often than not panders to pop art or is politicized in a banal way. However, the support remains the same, as so do the urban infrastructures and the transient nature of mural art, destined to be erased by time and weather, just as in the buddhist tradition, which preaches that the Mandala be swept away from time to time, to remind us of the cycle of destruction and rebirth of all things.

“Hybrids” is the arrival point of this long journey: an atypical one-man show, in which each work has been created in collaboration with a different individual artist.

The reason for this choice originates from the will to tell both of the artist’s lives: on one side his past, fundamental milestone of his research, recalled by “team work” on canvas and paper, the typical group effort attitude found in graffiti, where the crew plays a fundamental role in the process of “getting up” names, creating large-scale murals, and handling risky situations; on the other hand, present time, in which abstract figures enter the Studio D’Ars space, shapeshifting into algorythms, vibrating subatomic particles, molecules and galaxies, the infinitely large and the infinitely small which set the boundaries for human perception, recalling the artist’s mural art, yet differing in media, size and shape patterns.

“Hybrids” is a great chance to lay eyes on Riccardo Lanfranco’s ventennial research, to study the evolution of consolidated collaborations (Mr.Fijodor, Etnik, Vesod, Reser…), and to discover fresh twists (108, Bartocci, Aris…), which are bound to enrich a new voyage, yet another, which starts right here.

Pietro Rivasi (Icone Modena, D406 gallery)

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Featured artists:
108, Andrrea, Aris, Etnik, Eon75, Fabrizio Visone, Francesco Barbieri, Giorgio Bartocci, Giulio Vesprini, Hide, Jeroo, Made514, MrFijodor, Proembrion, Rems182, Reser, Romi, Ruas, Vesod, Zoer, ZorkMade

Copyright © Studio D’Ars

For information about the exhibition:

Mail: danieledecia75@gmail.com
Mobil:+39 346 629 2285

For more information about the artist:

www.corn79.com
www.facebook.com/corn79
www.flickr.com/richardcorn
Instagram: corn_79

ETN!K – COD:5005 | SQUARE 23 ART GALLERY Torino

8 maggio – 26 luglio

ETNIK – COD: 5005 
a cura di Alessandra Ioalè

SQUARE 23 ART GALLERY 

Opening: giovedì 8 maggio, ore 18

La Galleria Square23 è lieta di presentare al pubblico di Torino, “COD:5005” a cura di Alessandra Ioalé, la nuova serie di opere realizzate da Etnik, che incarnano la sua attuale ricerca artistica sul lato oscuro della città. Il gallerista, Davide Loritano, entra in contatto con l’artista nel settembre 2013 attraverso il progetto “Imprevisti Artistici Probabilità Sociali”, all’interno dell’ex carcere di Tirano, a cui Etnik prende parte con due interventi. Inizia così il nuovo dialogo per la costruzione di questa  prima personale dedicata al lavoro di Etnik nel capoluogo piemontese, che si inaugura Giovedì 8 maggio. 

“5005” è il codice cromatico del blu, scuro, intenso, profondo, usato da ETNIK e simbolo del buio che pervade le atmosfere cupe in cui fluttuano le sue composizioni, i suoi paesaggi urbani. 

Con Etnik le città “invisibili” di Italo Calvino diventano le città “prospettiche” che mostrano il loro lato oscuro: imprigionano l’uomo, deturpano la natura, annientano gli esseri viventi. Non c’è una via di fuga. La battaglia che la natura compie contro la crescita costante del cemento è vana. Gli uomini non hanno scampo, isolati nella loro solitudine o imprigionati nelle forme. 

Nelle opere in mostra la città – decostruita in strutture geometriche fluttuanti, tra cui emergono palazzi, casermoni, scorci classici e architetture industriali – diventa una gabbia, in cui l’essere umano (si) è intrappolato. Quella che emerge è una critica ironica e tagliente, che racchiude il rapporto contraddittorio di Etnik con la città: da un lato vincolo e prigione, dall’altro fonte d’ispirazione e “tela” espressiva. In tutte le opere le lettere che compongono la sua tag “Etnik” sono una presenza costante, anche se apparentemente irriconoscibile nella loro trasformazione in masse geometriche. 

SQUARE 23 ART GALLERY
via San Massimo 45, Torino
8 maggio – 26 luglio
ETNIK – COD: 5005
a cura di Alessandra Ioalè

opening: giovedì 8 maggio, ore 18